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Inaugurazione 18 APrile 2013 ore 19:00
Ristorante Culturale l’Officina
Via Borgo XX Giugno, 56
PERUGIA

Il contrasto è anche uno dei temi di Marco Monaldi, espresso attraverso
la tecnica del tratteggio in un susseguirsi di segni veloci orientati verso la ricerca
dell’identità personale. C’è sotto il messaggio della dualità dell’essere, intrisa
di una spiritualità sottesa che unisce l’io al tutto.

Andrea Baffoni

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17 – 24 Febbraio 2013 – Galleria Antichi Forni di Macerata
La manifestazione dell’associazione dirittoforte che intende mostrare concretamente le innumerevoli sfaccettature che il sentimento amoroso può avere, testimoniando attraverso l’arte, come non vi siano differenze di sostanza tra di esse, che si parli di eterosessualità come di omosessualità.

SITO WEB
http://www.ivoltidellamore.it/

PAGINA FACEBOOK:

https://www.facebook.com/pages/I-Volti-dellAmore-concorso-per-le-arti/413797618680044?ref=ts&fref=ts

VIDEO TRAILER DELL’EVENTO

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Oppure:
ha un po del tuo sguardo si, e poi questa fascia sulla bocca puo dire tante cose, non da l’idea di costrizione perche non lega, ma sembra animato dal vento, dal respiro, dalla forza vitale e si contrappone alla fisicita del volto. Come a dire che la verita sta oltre le apparenze della fisicità.

Ad ognuno la propria interpretazione.

Marco Monaldi

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di Loredana Finicelli

Come moderne vanitates i soggetti delle opere di Marco Monaldi risplendono per la loro bellezza apparentemente autentica  e levigata, per le loro virtù situate a metà strada tra il vero e il verosimigliante.

Uomini-uomini, uomini-angeli e painte-fiori, oppure storia, ultrastoria e natura, compongono il ristretto ma efficace spettro di temi di questo artista, sospeso tra azioni umane e divine, tra il cielo e la terra, tra loro, equidistanti. Tanto i frammenti rubati dal mondo vegetale quanto le atletiche fisionomie umane e oltre, condividono la stessa, cristallina, cifra stilistica: abile cesellatore di forme e di volumi, via via sempre più fluidi e naturalistici, il Monaldi gioca con la forma modellata da un chiaroscuro abile, dosa senza circospezione, un contrasto luministico violento e sapiente. I corpi emergono dal primo piano messi in risalto da luci bianche e radenti, imponendosi con i loro valori formali compatti, con le loro masse sintetiche, idee perfette di corpi e di altro, prima che uomini e angeli veri.

Allo stesso modo, le nature morte dell’artista marchigiano appartengono anch’esse al mondo dei concetti astratti più che a quello della natura reale: si tratta di archetipi compiuti, di modelli della memoria remota sedimentati nella coscienza secolare, anche loro, di fatto, appartengono al regno dei corpi in vita, né più né meno come gli uomini, angeli a volte, a volte meno, degli altri dipinti.

Le opere dell’artista sono singolari rappresentazioni in serie: come uno studioso ossessivo impegnato in una complessa ars combinatoria il Monaldi assembla differenti versioni degli stessi soggetti, mutandone le posture – ora di fianco, di spalle, poi dal basso dall’alto -, quasi che in ogni inedito sguardo, in ogni inconsiderato profilo, via sia un segreto da rintracciare, un non detto da rivelare, un dettaglio da restituire, una piega dell’abito da drappeggiare.

E, gli abiti del Monaldi, non costituiscono scelte sprovvedute e casuali. Non sono innocui tailleur da giorno o impegnati abiti da sera. Sono vesti di pelle per chi ne sostiene la materia intrinseca, per chi, con il loro carico di ignoto e potenza, si alimenta del loro lucido riflesso, sono vesti che, al pari delle maschere di alcuni dipinti, alludono al vero non effettivo, all’autentico non originale, a certi viali underground dove gli uomini e le donne perdono, per un breve, solo un breve intenso momento, la loro identità imperfetta, e vivono di sogni infinitesimali e di emozioni in bilico.

Forse è la ricerca di un spirituale oramai definitivamente allontanato quello che questi uomini e altro vanno esplorando nei sobborghi cromatici dei dipinti, dove a dominare sono le tinte estreme del non reale -perché non presenti in natura-, come il nero e il bianco, tinteggiati da verdi accattivanti e fiammeggianti – non solo a parole – rossi.

Rosso. Come gli abiti di lana dei guerrieri di Sparta. Come le vesti listate di porpora dei Cesari. Come gli umori vibranti della vita. Verde. Il verde confuso e pasticciato della speranza, arranca negli sfondi della prima serie di angeli umani e domina nelle successione delle nature morte, spezzando la trama univoca del bianco – che tutto riunisce – del nero – che tutto cancella. Bianco e nero come l’ossessione di un matematico pitagorico a cui l’articolazione cromatica produce l’ansia della suggestione e spalanca il torrente dei sensi.

In queste rappresentazioni teatrali perfette a cui rimandano le quinte panneggiate di alcuni dipinti e le maschere inquietanti di altri, Monaldi mette in scena, nascondendolo agli spettatori, il tema della vanitas postmoderna, ammonimento salvifico di antica memoria che spesso adombrato nel bello fuori misura o nell’incorrotto troppo patinato.

Formula etica ereditata dal controverso Barocco, quando nature morte ai margini dell’iperreale alludevano alla caducità della vita, alla bellezza corruttibile, all’inesorabile trascorrere dell’onda del tempo, così Marco Monaldi si appropropria di questo avvertimento, celando al di sotto delle sue immagine attraenti,  anch’esse a volte spinte ai limiti dell’artefatto. Ma, a differenza dei dipinti secenteschi, dove gli avvertimenti erano affidati a dettagli a volte intuibili, ad allegorie solitamente interpretabili dai più smaliziati, in questi dipinti, dove non sono in gioco il paradiso e l’inferno, la salvezza perpetua e la dannazione eterna, l’allusione del Monaldi si fa più sottile e ambigua e, al tempo stesso poiché scarsamente intellegibile assai più preoccupante.

In gioco, stavolta, non è la colpa o il peccato, ma la consapevolezza  umana dell’età adulta e la sua relazione con la sfera spirituale, l’emancipazione da un umano troppo risolutamente umano che dimentica il divino eppure nonostante tutto vi tende, generando una sollecitazione sotterranea che dall’uomo tende all’angelo e troppo spesso ritorna.

Una natura troppo avventurosamente umana stretta tra esigenza e pretesa di assoluto e soddisfazione terrena mai paga.

Monaldi e la Realtà

Di Paolo Mario Galassi

La biennale di Venezia 2009 – attualmente in corso – segna una svolta nella storia gloriosa di questa esposizione internazionale.

E’ il primo anno che si notano sintomi – pallidi-di una riflessione (parlare di ripensamento è ancora prematuro) sulle espressioni artistiche degli anni passati.

Sulla loro validità. Sul loro valore. Sul loro linguaggio. Sulla loro comunicatività.

Non è dato sapere se questa strada imboccata timidamente porti a risultati clamorosi .Si dovrà seguire con molta attenzione le prossime biennali e solo dopo si potrà misurare la temperatura dell’arte contemporanea mondiale.

In particolare il padiglione italiano è quello dove si è concentrata maggiormente l’attenzione del visitatore, forse proprio perché pioniere di questa nuova stagione artistica, pur celebrando l’anniversario di un movimento passato:il Futurismo.

Questa lunga riflessione era doverosa e necessaria  e fondamentale per inquadrare il lavoro di Marco Monaldi.

Pittore dell’ascolano interpreta l’arte come espressione del reale ma non come momento fotografico – forma d’arte indiscussa – ma come realtà entro la quale l’uomo è: è vero uomo, è vera realtà in altre parole è se stesso nella sua spiritualità entro la sua materialità.

La forma pura, quella che la natura ci ha donato, espressione del divino per il

Credente, non necessita di orpelli che la caricherebbero di inutilità.

Deve essere solo ammirata perché ritorni all’osservatore per arricchirlo nel suo spirito. Si potrebbe dire che la stessa purezza formale sia il collante che unisce tutta la realtà, intesa come pura natura.

Le tele di Marco Monaldi posseggono la forza tipica di colui che prende dalla natura la vera essenza e la trasmette – con un procedimento osmotico – al fruitore.

La stessa grandezza delle tele invita l’osservatore ad essere compartecipe della realtà, come frammento fondamentale di un tutto armonioso.Ad entrare entro quella realtà che il pittore ci mostra nella sua essenza.

Ed in questo contesto anche le figure –perfette nella tecnica e nell’ordito coloristico- sganciate da vincoli umani, si liberano in un universo ormai privo di vincoli. Lo stesso angelo, con le sue ali bianche di purezza, unisce il divino all’umano in una unica figura a significare che quando l’uomo è o sarà libero, si avvicinerà alla realtà. Quella vera, quella da cui è partito.

Ecco allora che la realtà diventa non realtà in quanto ha raggiunto la purezza.

Su questa strada Marco Monaldi è pronto per una biennale veneziana.

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Per la banca Kartner Sparkasse AG

Conferenza Stampa lunedi 27 Ottobre

Klagenfurt

Austria

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Galleria Fanelli by Artsinergy

Ottobre2008

A cura di Gianluca Marziani
La pittura sceglie due strade parallele che si incrociano in maniera
elegante e sottile: da un lato il ritratto, dall’altro la natura floreale,
idealmente accostate sul filo di un gender ambiguo in cui la sessualità
prende il cuore nascosto dell’immagine. I giovani maschi ritratti hanno ali
d’angelo, corpi atletici, posture introspettive. Nei loro gesti somigliano
ai fiori dai lunghi gambi, si afflosciano o riemergono dal loro torpore,
muovono il busto e le braccia come orchidee o tulipani. Corpi e fiori
scivolano in una sottile simbiosi pittorica dove uomo e natura ritrovano la
forma del desiderio. La pittura diventa silenziosa e notturna, una sorta di
quinta nel buio da cui emergono forme solitarie e catalizzanti.

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ASSOCIAZIONE CULTURALE OFFICINA S. GIACOMO

HOTEL S. GIACOMO MONTEPRANDONE

SFIORANDO L’ORIZZONTE.

Tra le suggestioni dell’arte e gli incanti del paesaggio

a cura di

Nazzareno Luciani

Ampio e profondo il paesaggio che si ammira dalle colline di Monteprandone (AP). E in questo scenario la rassegna “SFIORANDO L’ORIZZONTE. Tra le suggestioni dell’arte e gli incanti del paesaggio” ha costituito un invito alla sosta e all’osservazione. La serie di appuntamenti all’insegna dell’arte è giunta al termine. Una rassegna che ha coinvolto diversi curatori e a visto gli artisti, uno ogni mese, intervenire con le loro opere all’interno dell’Hotel San Giacomo. Un ultimo incontro a cui farà da contorno, come di consueto, il ricco buffet offerto da Ermetina Mira e Franco Bovara dove verranno offerti vini locali.

MARCO MONALDI

testo di

Cristina Petrelli

Nudi che aspirano alla perfezione, in cui viene esaltata tutta la bellezza del corpo maschile, e fiori, nature morte che non possono più essere definite tali. Marco Monaldi presenta opere dell’ultima produzione, tutti oli su tela di grandi dimensioni.

INAUGURAZIONE DOMENICA 20 GENNAIO 2008 ORE 18:00

la mostra terminerà il 23 Febbraio 2008

Nelle tele di Marco Monaldi i soggetti scelti dall’artista vengono come depurati, sottratti alle leggi del tempo, al proprio ciclo vitale. È come se fossero trasposti nel marmo, resi eterni. Le sue calle, candide e nobili, appaiono in tutta la loro bellezza, fresche e sensuali. Nei corpi nudi, dipinti in monocromo, ad essere esaltata è l’armonia delle forme, la morbidezza della pelle. Non scorre più il sangue nelle vene, ne la linfa vitale nella pianta. Non più degrado, sofferenza, malattia; la natura diventa incorruttibile.

Un lavoro, quello dell’artista, d’estrema raffinatezza, fatto di particolari e impercettibili presenze. Nelle sue opere viene espressa una dichiarata teatralità, il gusto per la messa in scena, sottolineata dall’uso della maschera. Il travestimento, l’identità celata e una natura troppo perfetta per essere reale. Nelle sue opere la pittura si fonde con il teatro e l’arte con la vita.

NATURA  ETERNA

L’osservazione della natura è, da sempre, fonte d’ispirazione per l’uomo, che in essa riflette la propria visione del mondo. Un atteggiamento espresso nell’arte classica attraverso la Mimesis, la copia fedele della natura. Esiti altissimi raggiunse la statuaria. Immortalati nel marmo corpi di rara bellezza suscitano ancor oggi ammirazione. E proprio l’armonia esistente in natura era celebrata tramite la rappresentazione del corpo umano. Allo stesso modo, nelle opere di Marco Monaldi, il nudo maschile si rivela espressione stessa della bellezza. Lavorando in monocromo il processo di distruzione e sofferenza a cui è destinato il corpo si annulla, scompare. Come nel marmo anche nell’immagine dipinta il tempo si ferma, ciò che è sarà per sempre, diventa eterno. Ma se, nell’arte classica, la copia della natura ha condotto anche a una ritrattistica particolarmente vicina al vero, alla rappresentazione dei vari stadi della vita dell’uomo, dall’infanzia alla vecchiaia alla morte, tutto questo non trova spazio nella pittura di Monaldi. Nonostante nelle sue opere venga espressa una bellezza legata a canoni classici, con forme e proporzioni orientate all’armonia, le finalità non sono le stesse. Medesimi i presupposti, ma differenti i risultati in quanto non è la rappresentazione della realtà ad interessare l’artista. Potremmo azzardare un paragone con il Neoclassicismo, dove tipi e modi dell’arte classica venivano ripresi attribuendogli nuovi e diversi significati. Fra l’osservazione diretta della natura e la sua rappresentazione veniva interposto il filtro dell’idealizzazione. Un’identica genesi troviamo nel lavoro di Marco Monaldi.

Fra la prima fase, con la scelta dello scatto fotografico, e l’ultima, la stesura del colore ad olio, l’artista opera un processo di sintesi orientato a un modello ideale. Nelle sue nature morte i fiori non hanno il minimo segno del tempo trascorso, nulla che rimandi al gesto di essere stati recisi, d’aver interrotto per sempre il flusso vitale, condannandoli a un rapido avvizzimento. Le sue calle, così fresche e sensuali, non presentano alcun petalo ingiallito, nessuna foglia appassita.

Lo stesso avviene nella rappresentazione della figura umana dove il corpo nudo appare muscoloso e perfetto e le linee che lo definiscono fluide e armoniose. Un vibrante chiaroscuro esalta la qualità sensibile e delicata della pelle. Attraverso una sintesi formale e cromatica l’artista depura il corpo dal sangue, dalla decadenza, dalla malattia, dalla corruzione e lo rende immortale. La bellezza rappresentata dall’artista diventa ricerca verso la perfezione. Un modello ideale che viene applicato senza fini celebrativi, come invece avveniva nel Neoclassicismo. In questo caso l’azione è praticamente inesistente e la figura appare isolata, distante, assorta. Spesso è l’artista stesso a ritrarsi nelle proprie opere, ma l’identità non è mai dichiarata, è volutamente celata.

In alcuni lavori, a coprire il volto, fa la sua comparsa una maschera, un simbolo che rende esplicito il paragone con il teatro nell’opera di Monaldi. I suoi soggetti sono delle apparizioni lievi, eteree, che sembrano emergere da materie cromatiche caotiche, informi dove, tra il verde, tra il rosso, affiorano presenze. Una sorta di quinte teatrali, di sipari, che si aprono consentendo la visione. L’uso della maschera dichiara apertamente che di null’altro si tratta se non di una messa in scena. Tra il travestimento attuato in teatro e il lavoro eseguito dall’artista viene, dunque, ad esistere una similitudine. La tela come il palcoscenico. La rappresentazione ideale della natura, la sua perfezione, si rivela traguardo vano e irraggiungibile che può esistere unicamente nello spazio deputato alla finzione.

Cristina  Petrelli

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Il libro di Giobbe

Mostra internazionale di arte sacra.

Salone della foresteria abbaziale di Santa Maria di Sesto

Sesto Al Reghena

Novembre 2007

A cura di Enzo Santese

Marco Monaldi ,

presenta due situazioni psicologiche di fronte a elementi di tormento:

da una parte nell’opera quadrata la rassegnazione, esasperata nella

rappresentazione dal fatto che la luce colpisce da dietro la figura,

con il capo reclinato verso il buio, distinto mediante un elemento tondo

dalle fiamme, piccole minuscole lingue di fuoco ceh ardono oltre il limite

della scansione geometrica circolare. Nella seconda opera è invece la rabbia

a connotare il dinamismo del dipinto, immerso in un ambiente dominato

dalla dialettica stridente tra zone chiare e zone buie. L’immagine vive

una drammaticità di fondo proprio nel suo essere fortemente contrastata

negli effetti di luminosità, che amplificano le risonanze significanti del quadro.

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HUMAN TOUCH

La figura tra pittura, scultura, fotografia.

D’Art Visual Gallery  Menaggio (Co)

Aprile 2007

A cura di Davide dell’Acqua

Una classicità moderna,

il corpo come perfezione stilistica.

Un gioco di armonie che sembrano cavalcare una musica ancestrale.

Le sue figure, perse nel silenzio di intimi pensieri ci raccontano un mondo

dove la perfezione è arte.

Corpi che non sono soltanto espressione di una fisicità quasi idealizzata, ma anche una fonte di grande erotismo raffinato.

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